The Collection

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Voici un exemple de plusieurs dessins à la plume-feutre faits sur place à Cobalt. J’étais intéressée par la compacité des devantures et enseignes de magasins. C’est là sûrement le sujet d’une bonne étude en peinture.

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Créée au début des années 80, cette œuvre a été produite peu de temps après avoir quitté Windsor pour le nord. J’avais étudié la gravure à l’université et j’avais hâte de mettre à l’épreuve mes connaissances de l’eau-forte en la combinant à la collagraphie. J’étais aussi tout excitée de déménager dans une région de lacs et de bois, toute pressée de capter le sol de la forêt, d’où l’idée de crosses de fougère arrivant à maturité.

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Cette pièce fait partie d’une série de 5 porcelaines à poignées et couvercle carré d’un style architectural..

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J’ai été attirée par l’architecture de cette gare datant d’une autre époque. Le dessin me mettait au défi de respecter les proportions avec exactitude. Je me sentais en pleine possession de la perspective. Le résultat est un témoignage de la gare à ses beaux jours. Mes antécédents scolaires sont le dessin publicitaire, à l’Ontario College of Art, et un diplôme en enseignement. Je n’ai donc pas suivi de formation en peinture; en m’éloignant de Toronto et du milieu de la publicité, j’ai cherché ma voie en développant mon intérêt pour le dessin et la peinture.

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Depuis 1979 que je vis en Alberta, j’ai souvent peint à Crowsnest Pass. Coleman est une vieille ville minière aux maisons toutes simples et colorées dans un environnement de collines qui rappellent Cobalt. Comme je suis aquarelliste peignant dans la nature, j’ai développé un sens très prononcé de la lumière, de l’ambiance et de la composition. J’ai peint Coleman, Alberta assise dehors dans une chaise longue par un bel après-midi d’été…

Un soir que je peignais en compagnie du Temiskaming Sketch and Brush Club de Cobalt, j’ai choisi ce sujet plutôt qu’une autre nature morte. Les couleurs du foulard et les motifs de la casquette et du veston ont suscité mon intérêt. Sans esquisse préliminaire, j’ai peint à l’aquarelle sur papier trempé à grands coups de pinceaux pour ensuite appliquer une réserve à la craie de cire blanche. Je crois que la spontanéité de cette approche frappe encore aujourd’hui et je l’utilise souvent. J’en apprécie la qualité abstraite à laquelle se mêlent juste assez de détails pour fournir l’information voulue.

Mon intention originelle en entreprenant cette peinture a été complètement subvertie en cours d’exécution. J’avais en tête un diptyque austère, nullement objectif… mais la ligne horizontale s’est transformée en un ‘horizon’, le jaune de la toile en un ‘ciel’ et le rouge en un ‘lac’, à quoi j’ai ajouté des troncs d’arbre verticaux… Pourquoi pas! Le but était de créer du Beau, non de faire une ressemblance… Dans toute mon œuvre, je tâche de transformer l’humble matériau qu’est la peinture en une illusion de lumière transcendante et immatérielle.

Installée sur place, j’ai commencé par un lavis de couleur terre de sienne calcinée pour situer les immeubles de brique. Sur cet arrière-plan, j’ai utilisé du gris pour peindre un autre édifice, une colline et des traverses de chemin de fer empilées pêle-mêle. Ayant ainsi limité ma palette de couleur, j’ai ensuite tracé les détails de mon sujet au moyen d’une plume trempée dans l’aquarelle.

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I was inspired after a workshop in Wawa at Natural Superior Adventures. Daily I would see these sandpipers scurrying up and down the beach in groups darting in and out of the waves along the shore. This work was one of several woodblock prints exhibited in an exhibition in 2007, entitled Journeys.

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Voici un exemple de la série de Puff Pots créés au milieu des années 90. L’inspiration m’est venue des vesses-de-loup. Dans leur cycle de vie, elles traversent les étapes de croissance, de tension, puis d’explosion pour libérer leurs fruits (spores). L’ouverture du récipient suggère l’offrande des fruits. Pétrir la poterie à la main plutôt qu’au tour m’a toujours plus intéressée. J’aime ce défi de devoir composer avec les mouvements irréguliers et les résistances de l’argile.

L’inspiration de cette pièce m’est venue de mon plus jeune fils qui adore la lecture… Une fois terminée, l’argile a subi mouvement et transformation en cours de cuisson — une sorte d’accouchement, si vous voulez. Ainsi, créer des sculptures de mes enfants, c’était comme leur donner vie — pour toujours.

Mon intention originelle en entreprenant cette peinture a été complètement subvertie en cours d’exécution. J’avais en tête un diptyque austère, nullement objectif… mais la ligne horizontale s’est transformée en un ‘horizon’, le jaune de la toile en un ‘ciel’ et le rouge en un ‘lac’, à quoi j’ai ajouté des troncs d’arbre verticaux… Pourquoi pas! Le but était de créer du Beau, non de faire une ressemblance… Dans toute mon œuvre, je tâche de transformer l’humble matériau qu’est la peinture en une illusion de lumière transcendante et immatérielle.

Une bande d’un rouge lumineux et flamboyant plane au dessus de trois bandes de couleurs plus discrètes aux tonalités plus froides; le tout surgissant d’un fond sombre et mystérieux. Le but était de créer une forte illusion de profondeur, ou un jeu d’attraction et de répulsion entre les quelques bandes de couleur. Dans cette composition aux allures minimalistes, il y a une combinaison complexe entre le clair et l’obscur, le chaud et le frais, l’intense et l’assourdi, etc.

J’ai tâché de communiquer ce moment de fusion d’un sujet en une forme unifiée.

Une ferme familiale du voisinage, aujourd’hui inoccupée, a servi de sujet idéal à ce dessin à l’encre. Son état délabré n’a fait qu’ajouter à son charme.